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Mar 10, 2024

El arte experimental coreano cobra protagonismo en el Guggenheim

Una exposición del Guggenheim arroja luz sobre una escena artística notable pero menos conocida en Corea del Sur que prosperó durante el tumulto de las décadas de 1960 y 1970. Por Andrew Russeth

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Una exposición del Guggenheim arroja luz sobre una escena artística notable pero menos conocida en Corea del Sur que prosperó durante el tumulto de las décadas de 1960 y 1970.

Por Andrew Russeth

Reportando desde Seúl

Las décadas de 1960 y 1970 fueron tumultuosas en Corea del Sur, con una dictadura militar que impulsó un crecimiento económico vertiginoso y suprimió los derechos civiles. En medio de esta agitación, los artistas jóvenes emprendieron proyectos radicales.

Rechazando la pintura abstracta expresiva en boga en la década de 1950, abrazaron la performance, el vídeo y la fotografía, y favorecieron materiales inusuales (neón, alambre de púas, cigarrillos). Habían nacido durante la ocupación japonesa y vivieron la Guerra de Corea; algunos miraron al pasado, inspirándose en las formas populares coreanas. Forjaron colectivos, realizaron espectáculos, tradujeron textos de arte del extranjero (los viajes estaban restringidos) y realizaron representaciones a lo largo de ríos y en teatros. Kim Kulim registró fragmentos de la vida cotidiana en un Seúl en rápida evolución en su frenética película “El significado de 1/24 de segundo” (1969). Sus esfuerzos por desafiar el género han llegado a ser categorizados como “silheom misul”, arte experimental.

“Fue un período, diría yo, de verdadera transformación”, dijo en una entrevista Kyung An, curador asociado del Museo Guggenheim de Nueva York, y “los artistas estaban tratando de negociar su lugar dentro de ese mundo”. Su exposición “Sólo los jóvenes: arte experimental en Corea, años 1960-1970”, que se inaugura el viernes en el Guggenheim, muestra las potentes respuestas que dieron más de 40 personas durante una época tensa. (Organizada con Kang Soojung, curador principal del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Seúl, Corea, o MMCA, la muestra viaja al Museo Hammer en Los Ángeles el 11 de febrero).

"Realmente no había mercado", dijo An, "y por eso muchas de las obras no sobrevivieron". Algunos fueron rehechos posteriormente. Otros perduran sólo en fotografías o como recuerdos. Una imagen en blanco y negro muestra a la pionera Jung Kangja, vestida en ropa interior en un music hall en 1968, mientras la gente colocaba globos transparentes en su cuerpo y luego los explotaban. Jung, que murió en 2017, fue una de las pocas mujeres destacadas en la escena. "Creo que los valores y expectativas todavía conservadores puestos sobre el papel de la mujer en la sociedad deben haberlo dificultado a muchos", dijo An.

A medida que avanzaba la década de 1970, la atmósfera se volvió más tensa. Se impuso la ley marcial. Se reguló el largo de las faldas. Los artistas fueron vigilados, detenidos y golpeados. Siguieron adelante. Algunos siguen haciendo arte hasta el día de hoy y pudieron asistir cuando “Only the Young” se presentó en el MMCA a principios de este año. Este verano, me reuní con cuatro de los artistas, con intérpretes, para hablar sobre sus vidas y el espectáculo.

Cuando el gobierno tomó medidas drásticas contra el arte de vanguardia a mediados de la década de 1970, Lee Kun-Yong recibió un aviso indicando que el Museo Nacional de Arte Moderno (ahora MMCA) ya no podía mostrar su arte basado en performance. Furioso, le prendió fuego delante de sus compañeros artistas. "Fue un error quemar esa carta", dijo Lee, sentado en su estudio dentro de un complejo de almacenes en las afueras de Seúl. Hoy sería un artefacto importante.

El día antes de nuestra reunión, Lee había estado en el MMCA para representar una de sus piezas características, la deliciosamente titulada “Snail's Gallop”, que interpretó por primera vez en 1979. Sentado en cuclillas, deslizaba tiza blanca hacia adelante y hacia atrás sobre la goma mientras caminaba hacia adelante, sus pies descalzos borraban partes de sus marcas. Fue una asombrosa demostración de destreza para cualquiera, pero especialmente para un hombre de 81 años.

Nacido en Corea del Norte, Lee llegó a Seúl con su familia en 1945. Ya adolescente después de la Guerra de Corea, asistió a conferencias en centros culturales extranjeros. Ludwig Wittgenstein lo cautivó y pintó un retrato del filósofo y lo colgó en su habitación. (“Jesús se ve un poco diferente”, recuerda que le dijo su madre). Cuando tenía veintitantos años, Lee cofundó un grupo llamado Space and Time (ST). En una obra memorable, en 1971, exhibió en un museo un árbol entero, arrancado durante un programa de construcción de una carretera. Actuando en un festival de arte en la ciudad de Daegu en 1979, colocó sus pertenencias personales y su ropa en el suelo y se acostó boca abajo: “un registro autoinfligido al desnudo”, como lo expresó la historiadora de arte Joan Kee.

Lee ha pasado su vida trazando las posibilidades y limitaciones del cuerpo, a menudo haciendo dibujos y pinturas mediante acciones simples. De pie, de espaldas o de costado sobre un lienzo o un trozo de madera, llega lo más lejos que puede con un pincel y hace marcas. Lienzos con huellas de sus movimientos llenan su estudio. Son vibrantes y vivos, pero él es modesto en su práctica. “Mi arte no es especial”, dijo. “No es único. Se trata de comunicarnos con las cosas que están cerca de nosotros. Entonces, si la audiencia lo analiza profundamente, podremos encontrar cosas que se relacionen con ambos”.

A mediados de la década de 1970, “mi lema –mi lema, por así decirlo– era ser veraz y honesto frente a la historia”, dijo Sung Neung Kyung en la galería Lehmann Maupin en Seúl. Después de terminar su servicio militar obligatorio en 1973, se unió al grupo ST y al año siguiente representó una de las obras de arte que definen la época.

Durante una semana, Sung colgó el periódico Dong-a Ilbo de cada día en la pared de una galería, quitó los artículos con una hoja de afeitar y los colocó en una caja. Dejó sólo los anuncios. “La pregunta que quería hacer era: ¿Cuál es el significado oculto subyacente que se encuentra en estos recortes, en estos periódicos, que están sujetos a tanta presión y censura editorial?” él dijo. Meses más tarde, en un extraño caso de vida imitando al arte, el presidente Park Chung HeeLa administración presionó a las empresas para que retiraran sus anuncios de ese periódico, que imprimió espacios en blanco en señal de protesta, con mensajes de apoyo del público.

Sung, de 79 años, irradia picardía y ecuanimidad, pero admitió haber sentido miedo mientras hacía esta pieza. Al entrar al lugar con su hoja de afeitar, recordó: “Miraba a mi alrededor para ver si había algún hombre extraño con gafas de sol cerca”. Un día, apareció un periodista y le pidió una entrevista, que rechazó, esperando evitar notoriedad.

Eso fue un éxito. Sung ha actuado a menudo bajo el radar, siempre experimentando, hurgando en el poder y las convenciones. "El arte es fácil y la vida es dura", escribió una vez. Sus diversos esfuerzos han incluido hacer anotaciones encima de fotografías de noticias para resaltar cómo dan forma a la verdad y actuar vestido con atuendos escandalosos, como traje de baño y gorro de ducha. "Siempre me he mantenido fuera de la pista principal", dijo. No más.

Seductoras obras de arte y objetos llenan cada centímetro de la casa de Seung-taek Lee cerca de la Universidad Hongik en Seúl, donde estudió en la década de 1950. Hay piedras con forma de reloj de arena atadas con cuerdas, ramas de árboles, autorretratos traviesos y mechones de pelo. “En esta zona había una fábrica de pelucas”, dijo Lee, “y un día tiraron todo ese cabello”.

Lee, de 91 años, ha pasado su vida creando arte a partir de materiales inesperados y desechados. Al principio pensó: “Tengo que hacer algo que nadie más haya hecho”, dijo. "Tal vez pueda encontrar una forma en nuestra propia herencia cultural". Apiló loza utilizada para la fermentación en esculturas y, inspirándose en las piedras Godret (pesas utilizadas para tejer), cinceló grietas en las piedras, envolviéndolas con cuerdas para crear la ilusión de que las rocas estaban siendo apretadas. Trabajó al aire libre, dejando que el viento se moviera a través de largos chorros de tela, y en uno de sus proyectos más conocidos, prendió fuego a sus lienzos en el río Han: “un comportamiento ilegal grave”, dijo.

No se trataba de empresas lucrativas. Sin embargo, al crecer en el Norte comunista, Lee había aprendido a hacer esculturas a gran escala (de Kim Il-sung y Joseph Stalin) y, después de la Guerra de Corea, cumplió encargos en el Sur para temas muy diferentes, incluido el general Douglas. MacArthur. También hizo retratos para soldados, y en 1967 se encontró en una base militar cerca de la DMZ, donde vio una enorme masa de cabello humano, cortado a nuevos reclutas. Con permiso de las autoridades, reorganizó ese cabello en una instalación asombrosa, colocándolo en bolsas o en filas: un retrato de grupo abstracto y anónimo.

El propio Lee había sido soldado del Sur y había huido del Norte después de que comenzaron los combates. Durante nuestra entrevista, mostró dónde le habían disparado en la rodilla, cuando tenía 20 años. “Espero haber abierto nuevas ventanas para las generaciones venideras, no sólo para mi propia generación”, dijo. Su objetivo ha sido mostrar “que el arte puede ser algo muy diferente”.

A sus 80 años, Lee Kang-So vive en un amplio complejo en Anseong, a unos 90 minutos al sur de Seúl, donde tiene varios estudios dedicados a esculturas, instalaciones y pinturas minimalistas que lo han convertido en un gigante. Pero hace 50 años, todavía estaba encontrando su camino mientras estaba sentado en una taberna en Daegu, su ciudad natal, bebiendo makgeolli (un vino de arroz) con un amigo. Era tarde, la habitación estaba vacía, pero al mirar las quemaduras y marcas dejadas en las mesas por cigarrillos y ollas, sintió que podía escuchar a las personas que habían estado allí. Reflexionó sobre la naturaleza transitoria de la vida y cómo él y su amigo experimentaban la misma habitación de manera diferente. "Fue realmente un momento especial", dijo.

Lee compró las sillas y mesas en el restaurante, y cuando le ofrecieron una exposición en la Galería Myongdong de Seúl en 1973, llevó los muebles al lugar y sirvió makgeolli durante seis días. Su idea era que, en lugar de expresar algo, podría brindar a la gente “un foro para experimentar algo juntos”. Amigos y residentes locales acudieron a este fugaz proyecto participativo, que tuvo un valor político durante la ley marcial, cuando las grandes reuniones eran sospechosas. “Después de una semana, el espacio del cubo blanco olía a bar”, dijo, “así que tuvieron que hacer un gran trabajo de limpieza”. Tituló la pieza “Desaparición – Bar en la galería”. Lamentablemente (pero, en cierto sentido, apropiadamente), un cuidador quemó más tarde los muebles, confundiéndolos con basura.

Otros elementos de la vida cotidiana se filtraron en su arte. Un día, al pasar por un mercado a mediados de la década de 1970, Lee vio a “una anciana vendiendo huesos de venado”, utilizados en la medicina tradicional, “y luego, justo detrás de ella, estaban sacrificando gallinas”, dijo. "Estaba pensando: ¿Puede esto ser arte?" Incorporó huesos de ciervo a una instalación y realizó una especie de dibujo aleatorio colocando un pollo cerca de un suelo cubierto con tiza blanca, que iba dejando huellas a su paso.

Fue una época embriagadora, pero después de experimentar con medios extravagantes, Lee recurría a materiales antiguos, como pintura y lienzo, a medida que avanzaba. Estas imágenes son aireadas, sueltas y espectrales, a menudo solo unas pocas marcas caligráficas negras flotando sobre campos blancos. Sugieren ideas o imágenes en estados de transición, aquí y no aquí, que surgen justo cuando se desvanecen.

Sólo los jóvenes: arte experimental en Corea, décadas de 1960 y 1970

Del 1 de septiembre al 1 de enero. 7 de enero de 2024 en el Museo Guggenheim, 1071 Quinta Avenida, Manhattan; (212) 423-3500; guggenheim.org.

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