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Sep 06, 2023

Juguetes sexuales, alfombras y muñecas Barbie: ¿el uso póstumo del trabajo de los artistas corre el riesgo de abaratar su legado?

A las marcas les encanta utilizar el trabajo de los últimos artistas, a los grandes artistas tanto como a los últimos artistas les gusta sacar provecho. Pero eso no ha detenido una serie de disputas del tamaño de la sucesión. Cualquiera que no esté familiarizado con el

A las marcas les encanta utilizar el trabajo de los últimos artistas, a los grandes artistas tanto como a los patrimonios de los grandes artistas les gusta sacar provecho. Pero eso no ha detenido una serie de disputas del tamaño de la sucesión.

A cualquiera que no esté familiarizado con las maquinaciones del mundo del arte se le podría perdonar que piense que el gran arte simplemente encuentra su camino hacia la luz del día. En realidad, nada podría estar más lejos de la verdad, especialmente cuando se trata del arte de los muertos. La forma en que experimentamos el trabajo de un artista en el presente depende en gran medida de los herederos de sus patrimonios, quienes configuran la manera en que se entiende a los artistas, actúan como guardianes de sus archivos, presiden la autenticación de las obras y, cada vez más, encuentran nuevas y formas deprimentes de sacar provecho de la reputación del difunto.

Como ocurre con todo lo relacionado con la herencia, la muerte de un artista y la gestión de su patrimonio suelen provocar emociones fuertes y comportamientos extremos. Hay relatos de extraordinarias labores de amor, en las que confidentes y familiares se dedican a honrar el trabajo de los muertos. Si no fuera por Francesco Melzi, alumno de Leonardo da Vinci, que dedicó su vida a organizar sus trabajos de maestría, sabríamos poco de los pensamientos de Leonardo sobre la relación entre arte y ciencia.

Cuando la artista cubanoamericana Ana Mendieta –mejor conocida por crear siluetas de su cuerpo usando sangre, fuego, barro y otros materiales naturales– murió en Nueva York en 1985, tenía 36 años y se preparaba para su primera gran exposición. Su hermana, Raquelín, se dio a la tarea de perseguir su ambición de ser “más grande que Frida”, me cuenta por teléfono Raquel, la hija de Raquelín.

Raquel, que ahora supervisa la administración del patrimonio, dice que su madre “sacrificó su propia carrera” como artista para mejorar la reputación de Ana: organizando exposiciones, encontrando representación en galerías y hablando con cualquiera que quisiera escuchar sobre su trabajo. Que Ana Mendieta sea mucho más famosa muerta que en vida se debe en gran parte a los esfuerzos de su familia.

Sin embargo, por cada historia de devoción y sacrificio, hay muchas más de avaricia. Las luchas por el poder, el dinero y la influencia han creado una letanía macabra de juicios prolongados. Los hijos de Mark Rothko demandaron a los albaceas de su patrimonio, alegando que se habían confabulado con la Galería Marlborough de Nueva York para “defraudar” y “desperdiciar” los activos del patrimonio. tras su muerte, comercializando su obra a precios infravalorados; después de 15 años, el tribunal falló a favor de los niños.

Mientras tanto, la familia de Max Beckmann, pintor mordaz de la vida en la República de Weimar, entabló una disputa legal con los cuidadores de la viuda de Beckmann, Mathilde, sobre si utilizaron “fraude e influencia indebida” para lograr que Mathilde les cediera sus bienes. antes de su muerte. La familia finalmente ganó, pero el fallo generó 11 años de contrademandas y agotó la mayor parte del dinero del patrimonio.

Y luego está la herencia de Pablo Picasso. Cuando Picasso murió en 1973, dejó aproximadamente 45.000 obras de arte, una gran fortuna, múltiples herederos y ningún testamento. Desde entonces, su familia ha operado como una versión del mundo del arte de los personajes rebeldes y egoístas del programa de televisión Succession. A finales de la década de 1990, el hijo de Picasso, Claude, tomó la controvertida decisión de conceder la licencia de la firma de su padre a Citroën por unos 20 millones de dólares. Henri Cartier-Bresson escribió a Claude acusándolo de faltarle el respeto a “uno de los más grandes pintores”, y la nieta de Picasso, Marina, declaró su indignación porque se estuviera utilizando el nombre de un “genio” para vender algo “tan banal como un automóvil”. ”.

Por muy polémico que fuera, el acuerdo con Citroën allanó el camino para una era en la que los guardianes de los patrimonios de los artistas comenzaron a ver a sus protegidos como herramientas de marca, apropiándose de su arte para fines que poco tenían que ver con sus ideas y sí todo con obteniendo ganancias. Además de las obras de arte heredadas y el dinero que ya se encuentra en el banco, los propietarios de las fincas controlan los derechos de propiedad intelectual. Esto incluye los derechos morales, diseñados para proteger las obras de arte contra el uso que se consideren inaceptables para su autor. Fundamentalmente, también incluye los derechos de autor, que otorgan el derecho de licenciar el nombre de un artista y cualquier aspecto de su trabajo a quien elija, una rica fuente de ingresos que ha dado lugar a una industria próspera y cada vez más cuestionable.

No hace mucho, los acuerdos de licencia se limitaban en gran medida a la reproducción de obras de arte en libros y artículos de tiendas de regalos de museos. Pero hoy en día, se ha convertido en algo habitual utilizar obras de arte para vender todo tipo de productos de edición limitada. Ha surgido una industria de abogados y agentes que trabajan con propiedades para sacar provecho de lo que se conoce eufemísticamente como “colaboraciones de marca”, utilizando el arte de los muertos para vender de todo, desde camisetas de Uniqlo y bolsos de diseñador hasta vodka, muñecas coleccionables, pulseras, alfombras y juguetes sexuales.

Según el abogado Michael Ward Stout, que representó los intereses de Salvador Dalí hasta su muerte en 1989 y ahora trabaja para artistas vivos y muertos, este floreciente comercio indica un cambio de actitud entre los coleccionistas de arte. Mientras que en el pasado se creía que la sobreexposición podía poner en peligro el mercado de la obra de un artista, hoy en día, cuando los coleccionistas “salen a la calle y ven pañuelos en la cabeza y bolsos” decorados con arte de un artista cuya obra poseen, “construye su confianza de que han invertido dinero en algo fuerte”.

Hablando desde los Hamptons, Stout dice que, el año pasado, el patrimonio de Keith Haring – que es un cliente – ganó 10 millones de dólares sólo con acuerdos de licencia (una parte de los cuales se destina a causas benéficas, de acuerdo con los deseos de Haring). Me dice que su firma emite “cuatro o cinco” contratos de licencia por día, y que no es inusual que artistas vivos contraten gerentes de marca para hacer que sus prácticas sean más atractivas para las empresas.

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En el Reino Unido, Estados Unidos y la UE, los derechos de autor duran 70 años después de la muerte de un artista. Esto proporciona a los propietarios un tiempo limitado para sacar el mayor beneficio posible de las obras del difunto, después del cual cualquiera tiene derecho a fabricar tantas camisetas o fundas de teléfono como quiera. Si bien los propietarios pueden demandar a cualquiera que crean que está haciendo un mal uso de la obra de un artista, no hay nada que les impida hacer lo mismo. El experto en derecho de propiedad intelectual Enrico Bonadio dice: “Hay hijos de artistas famosos que hacen cumplir sus derechos económicos y morales de una manera que podría considerarse objetable o controvertida, pero son propietarios de esos derechos por ley, por lo que no hay nada podemos hacer."

En los últimos años, el patrimonio de Jean-Michel Basquiat, regentado por las dos hermanas del artista desde la muerte de su padre en 2013, ha llevado las posibilidades de concesión de licencias a límites sorprendentes. Durante su vida, el joven artista estadounidense logró un considerable éxito comercial y de crítica. Sus pinturas neoexpresionistas, que efervescentes con referencias a la historia cultural negra, el arte callejero y su propia simbología, se convirtieron en propiedad de moda durante el boom del arte de los años 80. Cuando murió a los 27 años en 1988 por una sobredosis de heroína, dejó más de 600 pinturas y desde entonces ha adquirido el tipo de estatus venerado que se atribuye a quienes viven rápido y mueren jóvenes. Elementos extraídos de sus pinturas ahora aparecen en todo, desde muñecas Barbie hasta esquís de lujo, calcetines y bolsos Coach, y las marcas utilizan lo que se ha convertido en la reputación de Basquiat como profeta de la “cultura urbana” para pulir sus propias identidades.

Si ser etiquetado como vendido alguna vez fue visto como una mancha en el legado de un artista, cada vez más se ha convertido en un objetivo. Hay algo profundamente desalentador en una cultura en la que la vanguardia de ayer es la colaboración de diseñadores de bolsos de hoy, el trabajo de sus estrellas más brillantes reducido a logotipos pegados a productos de lujo. Si bien tales mercancías pueden hacer que el arte sea más visible, la comercialización desenfrenada difícilmente constituye la democratización del arte.

Las “colaboraciones de marca” tienden a arrasar con las intenciones del artista, aprovechando el hecho de que ya no están presentes para instrumentalizar su trabajo de la manera que los beneficiarios consideren conveniente. Una campaña publicitaria de 2021 para joyas de Tiffany, protagonizada por Beyoncé, Jay-Z, un diamante de 128 quilates y el cuadro de Basquiat de 1982 Equals Pi, ejemplifica hasta dónde están dispuestas a llegar las empresas. Cuando se lanzó la campaña, un representante de Tiffany dijo que la pintura "tiene que ser una especie de homenaje" a la marca, ya que el color turquesa que utiliza "es muy específico".

No todo el mundo está contento con la fiebre del oro por las licencias. El antiguo compañero de escuela y colaborador de Basquiat, Al Diaz, me dijo que la propiedad ha “exprimido hasta el último gramo de vida” del arte de Basquiat. Díaz tuvo un enfrentamiento con el patrimonio por el uso de “SAMO©” (abreviatura de “la misma mierda de siempre”), una etiqueta que él y Basquiat usaban cuando eran adolescentes cuando garabateaban declaraciones crípticas y anticapitalistas en Nueva York. Dice que emitió un cese y desistimiento cuando descubrió que la propiedad tenía etiquetas autorizadas "SAMO©" para su uso en calcetines, y que los calcetines fueron retirados de la venta. (Los herederos de Basquiat no respondieron a las solicitudes de comentarios).

“¿Has visto la colección Ruggable?” dice, refiriéndose a una línea de alfombras y felpudos a la venta por entre £119 y £799, cubiertos con motivos tomados de las pinturas de Basquiat. "Literalmente puedes limpiarte los pies con él".